El
lenguaje cinematográfico nos permite acceder a espacios y tiempos limitados
sólo por la imaginación humana. Se trata de un lenguaje complejo que juega con
los colores, sonidos, silencios, movimientos, palabras, drama, escenografías,
vestuario, maquillaje, locaciones, etc. A continuación se entregan algunos
elementos que integran ese lenguaje; elementos que en la película se superan a
sí mismos; pues el film es más que la suma de los mismos.
1. El Espacio En
El Cine: Planos (Encuadre) Y Movimiento
Encuadre: Se llama encuadre a la selección de realidad o material que se quiere filmar. El director visual, operador de cámara o fotógrafo, deciden lo que el espectador verá y de qué forma. Distancia, inclinación de la cámara, dan lugar a imágenes que expresan diversas ideas, sensaciones, emociones. La acción de seleccionar la imagen es lo que se denomina encuadrar y, al tipo de encuadre conseguido, se denomina plano. .Existen diversos tipos de plano.
- Gran Plano General: Muestra un gran escenario, paisaje o multitud; entre el cual el protagonista de esta situación se diluye. Este plano puede tener un valor descriptivo o dramático, si quiere mostrar la soledad en que se encuentra el protagonista o la inmensidad del entorno, comparado con su pequeñez.
- Plano General: Como si se tratara de un gran escenario, su intención es mostrar el entorno del sujeto.
- Plano entero o figura: abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo.
- Plano americano: Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.
- Plano medio: encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.
- Plano medio corto: encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores. Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos significativos.
- Primer plano (Close up): Encuadra desde el rostro hasta los hombros. El rostro del actor llena la pantalla. Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. Cuando se trata de mostrar objetos, éstos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas, mostrando detalles...
- Primerísimo primer plano: Se encuadra una parte del cuerpo: La boca, una mano, los ojos...
- Plano corto: encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.
- Plano detalle: Primerísimos planos que destacan un elemento o la acción de una mano, por ejemplo, sobre la manilla de una puerta... con la intención de expresar una acción o situación.
- Plano secuencia: es una forma de filmar, en el que en una toma única se hacen todos los cambios y movimientos de cámara necesarios. No suelen hacerse muy largas por la dificultad de rodaje que entrañan. No obstante, hay planos secuencia memorables por su calidad, longitud y anécdotas de rodaje, como el comienzo de Sed de mal (Touch of evil 1958), de Orson Welles.
- Plano subjetivo o punto de vista: cuando la cámara sustituye la mirada de un personaje; de tal modo el espectador, tiene la visión del personaje
Cuando se
filma con la cámara en ángulo:
Según el ángulo en el que se coloca la cámara en
relación al objeto es:
- Plano en picado: Cuando la cámara está sobre el objeto, en un cierto ángulo. El objeto está visto desde arriba. Suele emplearse a veces para destacar aspectos psicológicos, de poder, etc.
- Plano en contrapicado: Al contrario que el anterior, la cámara se coloca bajo el objeto, destacando este por su altura.
- Plano aéreo o «a vista de pájaro»: Cuando la cámara filma desde bastante altura: montaña, avión, helicóptero, etc.
- Plano frontal: Cuando la cámara está en el mismo plano que el objeto.
- Otros: La cámara se puede colocar de muchas formas, invertida (salen los objetos al revés), a ras del suelo (vista de oruga: pies de personas, ruedas de coches, etc.).
Cuando se
filma con la cámara en movimiento (Travelling):
El cine no toma sólo imágenes sino movimientos que se pueden lograr con el desplazamiento físico u óptico de la cámara.
- Cámara en mano: Se filma cámara en mano; lo que da una sensación de mayor veracidad.
- Travelling de seguimiento: la cámara va detrás del sujeto; siguiéndolo.
- Travelling retro: La cámara se sitúa delante del sujeto para ir retrocediendo, en la misma medida que él avanza.
- Travelling avant: La cámara avanza, en la medida que el sujeto retrocede.
- Travelling aéreo: La cámara sigue al sujeto desde un plano muy elevado; de tal modo tener una vista aérea.
- Travelling circular: la cámara describe un movimiento circular en torno al sujeto.
- Travelling con grúas: La grúa tiene la capacidad y versatilidad de realizar toma vertical, desde la altura y a nivel del suelo, y visto aérea. El helicóptero, por su facilidad de movimiento en el aire sirve para recrear ambientes que de otra forma serían imposibles: filmar grandes multitudes, espacios inmensos, batallas, etc.
- Otros...
El montaje es el proceso que se utiliza para ordenar
los planos y secuencias de una película, de forma que el espectador los vea tal
y cómo quiere el director. La manera de colocar los diversos planos puede
cambiar completamente el sentido, y por lo tanto el mensaje, de una película.
En el montaje se hace casi toda la película. Se cambian secuencias, se suprime
lo que no gusta, se añade o se acorta el ritmo. generalmente, no se filma según el orden del guión ; sino de las locaciones, el clima, la disponibilidad de los actores; de tal modo, el montaje se hace posteriormente. Además, la mayoría de las escenas se filman repetidas veces; por lo cual, posteriormente se elegirá la mejor. Aquí resaltamos:
- Montaje creativo: Es la operación de ordenar sin tener en cuenta una determinada cronología, sino como recurso cinematográfico, previamente expresado en el guión o como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.
- Montaje poético: Cuando se realiza como una verdadera obra poética, causando reacciones en el espectador. Posee intención expresiva, según el cual los fragmentos se combinan de modo que la atención del espectador responda a las intenciones del realizador. Así, puede suceder que determinada escena no sea presentada entera y de una sola vez, sino alternada con otra, estableciéndose entre ambas un montaje en paralelo que puede intensificar las emociones. En otros casos, en vez de presentar en orden riguroso una cronología de los hechos mostrados, el cineasta utiliza los flash-back, o vuelta atrás, y los flash-forward, o saltos hacia adelante.
- El montaje con estilo de video-clip: La evolución del montaje en los últimos tiempos ha sido radical. En pocos años ha ido elevando su ritmo hasta hacerse frenético, debido a los montajes publicitarios y sobre todo al video clip, en el que los planos se suceden vertiginosamente, con inesperadas sacudidas y aceleraciones, golpes de zoom, apoyados en sonidos muy potentes, gritos, chillidos, más acordes con la velocidad que con el reposo de otros tiempos cinematográficos, destruyendo al parecer el relato equilibrado, y provocando tal vez el desconcierto y la búsqueda. Películas como Matrix (1999), superan en planos rápidos y montaje fulminante a todo lo visto hasta el momento. La idea es buscar lo subliminal, no dar tiempo al cerebro a participar conscientemente, procurar que los reflejos nerviosos actúen sin sentido. Ver sin mirar, oír sin escuchar. El cine participa en cierto modo del ritmo que impone la televisión, del ruido de las discotecas y de los contenidos del manga japonés.
- Los fundidos: para separar las distintas parte, secuencias, se recurre a lo que se llama cortes cuando se hacen directamente. Cuando se hacen gradualmente se puede hablar de: Fundido en negro: es un oscurecimiento de la pantalla al que seguirá una apertura para iniciar la fase siguiente. Fundido encadenado: la última imagen del plano se va disolviendo mientras, en sobreimpresión, se va afianzando la primera imagen de plano siguiente. Barrido: la cámara se mueve a toda velocidad de un objeto a otro. Cortinillas: las imágenes se desplazan hacia un lado o hacia arriba o abajo.
3. El Color Y La
Luz
Los
cineastas del cine en blanco y negro debieron hacer uso de todo su poder
expresivo, a través de la perfección fotográfica, uso de la iluminación,
contrastes de luz y sombras. “La iluminación crea sombras, arrugas, rejuvenece
o envejece, crea efectos psicológicos del personaje, en función de donde se
coloque cambia la atmósfera de una película”. A través de un dominio de la luz
y de la sombra, se puede hacer de las mismas, verdaderos protagonistas; usar el
contraluz, el humo de hogueras, cigarros, velas; niebla y otros efectos se
realizan con fines estéticos o para crear atmósferas o ambientes. Tono,
intensidad, saturación, forman parte del juego de colores
4. El Tiempo
El
tiempo en el arte es algo muy relativo que se utiliza en función de la
comunicación. Un cambio de escena, o de acto, supone un cambio de tiempo o de
lugar, que puede expresar el paso de muchos años, o de pocos días, o de
minutos.
- Tiempo real: El que tarda en ocurrir un acontecimiento en la realidad. Una muerte en tiempo real vista en un noticiario de televisión se desarrolla en fracciones de segundo.
- Tiempo fílmico: El que se produce por manipulación para acelerar o retardar los acontecimientos, reproducir paso a paso o cambiar el orden de los sucesos de cara a presentar al espectador una visión intencionada y distinta del acontecimiento.
- La sensación de continuidad: Para dar sensación de que pasa el tiempo los cineastas se las ingenian con infinidad de recursos. Algunos de ellos dependen de la misma narración: el día va detrás de la noche, una habitación muy desordenada va tras una gran fiesta.... Otros son recursos de tipo técnico, como son los fundidos, las cortinillas o los letreros. En todos los casos la acción, el decorado, los actores y su estado anímico, las arrugas en la cara o la ausencia de éstas, los objetos o las situaciones han cambiado dando la impresión de que el tiempo pasa.
- Condensación o elipsis: Cuando la acción se abrevia economizando planos. Se ve el comienzo y el final de una acción y el espectador supone el resto de los pasos intermedios.
- Reiteración de parte de la acción para conseguir la sensación de que el tiempo pasa.
- Distensión: cuando el director alarga la escena más de lo que dura en tiempo real. Así le da un tono más metafórico o intenta que el espectador se fije más en los detalles.
- Adecuación: cuando el tiempo real y el tiempo cinematográfico son los mismos.
- Flashback o «salto atrás», retroceso en el tiempo.
- Flash-forward o «salto adelante.
La
banda sonora de un film está compuesta, esencialmente, con cuatro grandes tipos
de sonidos:
- La palabra. El uso más frecuente es el diálogo, articulado por la presencia física de unos intérpretes que hablan. Pero tampoco hay que olvidar otras aplicaciones como la "voz en off", discurso en tercera persona y sin presencia del narrador en la imagen que, sobre todo, se usa en la estructura temporal del "flash back". La palabra es también presente en las letras de los musicales.
- La música. Con frecuencia aparece como complemento de las imágenes, excepto en los musicales o en biografías de compositores donde la música es protagonista. La música de contexto es cuando se oye la música de un aparato musical que aparece o se escucha en una escena. La música suele usarse: a) En substitución de un sonido real: disparos, explosiones, pasos..., acompañados por una música que substituye al sonido real. La música en este caso tiene el mismo ritmo que el sonido substituido. b) En substitución de un sonido pensado, recordado por un personaje. c) Como continuación de un grito o de un ruido: para subrayar estados psicológicos de los personajes. d) Como "leit-motiv": se repite un mismo tema musical siempre que aparece el mismo personaje, que hay una progresión psicológica... e) Como ambiente de fondo.
- Los ruidos. Acompañan a las imágenes.
- El silencio. La pausa o la ausencia de sonidos condiciona una determinada situación, con frecuencia de angustia. El silencio es usado dramáticamente.
- El sonido real es el constituido por todos los sonidos producidos por aquellos objetos y personas que forman parte de la acción que contemplamos en la pantalla. El sonido real puede ser: a) Sincrónico: a la vez que vemos una imagen oímos los sonidos que produce. b) Asincrónico: el sonido que escuchamos no corresponde a la imagen que vemos, pero corresponde a objetos o personas de la narración o descripción, presentes en la escena pero fuera del campo de la cámara.
- El sonido subjetivo, es decir, tal como se escucha por uno de los personajes de la narración. También lo es una música, ruido o palabra presentes en el recuerdo o en la imaginación de un sujeto.
- El sonido expresivo es cuando todos los ruidos, palabras o música son producidos por elementos que no pertenecen propiamente a la realidad que se describe o narra. Puede ser: a) En superposición con el sonido real, formando con éste una especie de contrapunto orquestal. b) En substitución del sonido real, no escuchándose nada del sonido real y sí del expresivo.
6. El Ritmo
Es la impresión dinámica del film;
viene dado por el juego del ritmo visual, auditivo y narrativo de la acción.
El ritmo se crea con la duración material y
psicológica de los planos. Los planos cercanos piden el cambio rápido del
plano, porque se capta rápidamente lo que contienen; el contrario pasa con
planos que presentan motivos lejanos. Los
planos de duración más larga crean un ritmo lento. Los planos de corta duración
crean un ritmo rápido. Una sucesión de
primeros planos produce un ritmo de gran tensión dramática. Una sucesión de planos generales con imágenes
amplias y luminosas dan una sensación de optimismo, al contrario que si se
trata de imágenes con grandes sombras que producen tristeza. El paso de plano
general a otro de más cerrado puede producir una aceleración del acontecimiento
gracias al aumento de tensión que ocasiona. Lo contrario, de planos cortos a
largos, puede producir tanto un efecto de hundimiento como el de calma. Los
movimientos de cámara o la banda sonora colaboran en crear dentro de un plano
un movimiento, que quizá la misma escena no tiene.
7. El Guión
El
guión es el relato escrito de lo que va a suceder en la película. Es algo muy
sencillo y con un cierto parecido a una novela. Se desarrolla completamente un
argumento teniendo en cuenta que todo hay que filmarlo, grabarlo y montarlo. El
guión son los diálogos, las escenas, las secuencias, y una descripción
minuciosa y pormenorizada de lo que los actores hacen en escena. El guión es el
«montaje en borrador» de una película. Es muy importante que un escritor de
guiones sepa de cine, de montaje, de los entresijos del rodaje, de la
dificultad de realizar determinados efectos y que tenga idea de lo que cuesta
económicamente realizar una película. En definitiva que sepa lo que se puede y
lo que no se puede hacer en el cine.
La estructura del guión: Un guión se divide en
secuencias, que son como los actos de una obra de teatro. Cada secuencia lleva
un encabezamiento que indica el lugar y el momento en que se va a desarrollar.
La secuencia se subdivide en escenas. Cada escena comprende uno o varios
planos, rodados en el mismo ambiente y con los mismos personajes. La estructura del guión no
tiene normas objetivas; director, productor o guionista, deciden aquello que es necesario exprese el guión.
El «story board» es el dibujo detallado de todas y
cada una de las tomas de la película. Cada director lo hace de forma diferente.
Acompaña al guión y es una herramienta de suma utilidad en el momento del
rodaje.
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